CHARRUA( uruguaya ,oriental o yorugua)------------------la primer CHARRUA( uruguaya ,oriental o yorugua) que fue jurado del Metropolitano de Tango y del Jurado Mundial ,por merito propio,ahora seleccionada como "maestra reconocida mundialmente",dara un Seminario de Alta Intensidad en el Mundial.No solo es futbol mundial el Uruguay."Tanguera Ilustre de Buenos Aires" "Condor de Oro de San Luis,Argentina....Quien es? L.L. pasion,voluntad y tecnica.Tecnica,voluntad y pasion.Abriendo caminos para Uruguay,embajadora cultural de este Paisito que es un gran Pais con mayuscula. --
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martes, 18 de octubre de 2011
domingo, 25 de septiembre de 2011
Opera Rock "Shock Stop Rock", en Tecnópolis. La puesta fue creada para Urlezaga por Jorge Amarante (ex director del Teatro Colón), sobre música de
Opera Rock "Shock Stop Rock", en Tecnópolis.
La puesta fue creada para Urlezaga por Jorge Amarante (ex director del Teatro Colón), sobre música de Queen, U2, Placebo y Ramones, entre otros legendarios grupos del rock mundial.
Se trata de un espectáculo que fusiona bailarines y músicos en vivo sobre un escenario planteado en dos plataformas, y donde se proyectan efectos e imagenes. La Dirección Artística del Ballet Concierto está a cargo de Lilian Giovine y la partenaire de Iñaki será Eliana Figueroa.
Sábado 1 de octubre, 18 hs.
En el Espacio Joven de Tecnópolis (Av. General Paz y Constituyentes)
Entrada libre y gratuita
.JAVIER EN PARTEDELSHOW
La puesta fue creada para Urlezaga por Jorge Amarante (ex director del Teatro Colón), sobre música de Queen, U2, Placebo y Ramones, entre otros legendarios grupos del rock mundial.
Se trata de un espectáculo que fusiona bailarines y músicos en vivo sobre un escenario planteado en dos plataformas, y donde se proyectan efectos e imagenes. La Dirección Artística del Ballet Concierto está a cargo de Lilian Giovine y la partenaire de Iñaki será Eliana Figueroa.
Sábado 1 de octubre, 18 hs.
En el Espacio Joven de Tecnópolis (Av. General Paz y Constituyentes)
Entrada libre y gratuita
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miércoles, 31 de agosto de 2011
Viven 116.592 uruguayos en Argentina, según el Censo Almodóvar presenta su película más negra 25 años de "La ley del deseo" TRISTAN E ISOLDA
Tristán e Isolda, imperdible
27.08
El Teatro Argentino de La Plata ofrece por primera vez en sus casi 121 años una ópera de Richard Wagner en idioma original.
Comentar
La puesta de "Tristán e Isolda", con la regié de Marcelo Lombardero y la dirección musical de Alejo Pérez, continuará con nuevas funciones el sábado y domingo desde las 17
El esplendor wagneriano alcanzado a partir de la exacerbación de las secuencias armónicas se apropió del Teatro Argentino de La Plata, que presentó anoche otra función de la ópera "Tristán e Isolda", título que inauguró una nueva dimensión de objetivos en el programa lírico del coliseo bonaerense.
Acaso por encima de los méritos orquestales y escenográficos, "Tristán e Isolda" configura un peldaño histórico para el Argentino de La Plata, que ofrece por primera vez en sus casi 121 años una ópera de Richard Wagner en idioma original.
El único y lejano antecedente -que no es equivalente- había sido la puesta "Lohengrin", en 1952, en italiano, un lenguaje más acomodado a la tradición lírica del Teatro Argentino.
De todos modos, esta puesta de "Tristán e Isolda", con la regié de Marcelo Lombardero y la dirección musical de Alejo Pérez, y que continuará con nuevas funciones el sábado y domingo desde las 17, no necesitaba de elementos contextuales para enfatizar su valor.
Porque en este caso una escenografía montada sobre las nuevas tecnologías -sin elementos corpóreos- pero al mismo tiempo dentro de la estética tradicional, se amoldó en forma perfecta con la audacia musical de la obra maestra de Wagner.
La orquestación, con el influjo de Alejo Pérez, se expresó en plenitud para alcanzar una intensidad musical difícil de percibir en otra ópera. Ni en aquellas de la misma prosapia, ni en las que pertenecen a otras corrientes estéticas.
Wagner articuló la partitura de "Tristán e Isolda" en derredor de un vigoroso y riesgoso juego de relaciones armónicas internas, con secuencias de tensiones crecientes, inestables, que demoran en reposar.
En esa apuesta, la ópera transita con aires de vanguardia los contornos de la música tonal -sin evadirse de ella- aunque, en su tercer y último acto, su estructura le hace un guiño a los modelos operísticos del clasicismo.
Esa singularidad -sumada a la extensión- convierte a "Tristán e Isolda" en una ópera muy difícil de sostener para los solistas, una vara exigente que, sin embargo, permitió el lucimiento del tenor ruso Leonid Zakhozhaev (Tristán), el barítono argentino Hernán Iturralde (Rey Marke de Cornualles) y, algo por debajo, la soprano alemana Katja Beer (Isolda).
En el preludio de la ópera, donde aparece el célebre acorde Tristán, que impone una tensión disonante (tónica, cuarta aumentada, sexta aumentada, novena aumentada), la orquesta encontró la seguridad que le faltó -y había sido acaso el único déficit- en la función del estreno.
El primer acto, donde se tienden los lazos argumentales de la relación entre el orgullo del héroe (Tristán) y el amor de la prometida del Rey (Isolda), relucen los diálogos entre la protagonista (Beer) y su confidente (Adriana Mastrángelo).
Los crescendos de ese segmento languidecen en la atmósfera, más lenta, pero igualmente densa, del segundo acto, donde se consuma el amor entre los protagonistas en el marco de una puesta que, por momentos, pierde dinamismo.
El desenlace del pasaje declamativo conocido como "El himno de la noche" constituyó uno de los momentos imponentes de la noche que, luego, en el tercer acto, tendría su complemento con el cierre del ciclo argumental.
En esa última sección, en pronunciado contraste con el tono predominante en el discurso musical, la ópera se evanesce bajo una atmósfera tenue que, sin embargo, consigue el mismo efecto persuasivo.
Tristán e Isolda - Teatro Argentino de La Plata - Wagner - Marcelo Lombardero - Alejo Pérez
27.08
El Teatro Argentino de La Plata ofrece por primera vez en sus casi 121 años una ópera de Richard Wagner en idioma original.
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La puesta de "Tristán e Isolda", con la regié de Marcelo Lombardero y la dirección musical de Alejo Pérez, continuará con nuevas funciones el sábado y domingo desde las 17
El esplendor wagneriano alcanzado a partir de la exacerbación de las secuencias armónicas se apropió del Teatro Argentino de La Plata, que presentó anoche otra función de la ópera "Tristán e Isolda", título que inauguró una nueva dimensión de objetivos en el programa lírico del coliseo bonaerense.
Acaso por encima de los méritos orquestales y escenográficos, "Tristán e Isolda" configura un peldaño histórico para el Argentino de La Plata, que ofrece por primera vez en sus casi 121 años una ópera de Richard Wagner en idioma original.
El único y lejano antecedente -que no es equivalente- había sido la puesta "Lohengrin", en 1952, en italiano, un lenguaje más acomodado a la tradición lírica del Teatro Argentino.
De todos modos, esta puesta de "Tristán e Isolda", con la regié de Marcelo Lombardero y la dirección musical de Alejo Pérez, y que continuará con nuevas funciones el sábado y domingo desde las 17, no necesitaba de elementos contextuales para enfatizar su valor.
Porque en este caso una escenografía montada sobre las nuevas tecnologías -sin elementos corpóreos- pero al mismo tiempo dentro de la estética tradicional, se amoldó en forma perfecta con la audacia musical de la obra maestra de Wagner.
La orquestación, con el influjo de Alejo Pérez, se expresó en plenitud para alcanzar una intensidad musical difícil de percibir en otra ópera. Ni en aquellas de la misma prosapia, ni en las que pertenecen a otras corrientes estéticas.
Wagner articuló la partitura de "Tristán e Isolda" en derredor de un vigoroso y riesgoso juego de relaciones armónicas internas, con secuencias de tensiones crecientes, inestables, que demoran en reposar.
En esa apuesta, la ópera transita con aires de vanguardia los contornos de la música tonal -sin evadirse de ella- aunque, en su tercer y último acto, su estructura le hace un guiño a los modelos operísticos del clasicismo.
Esa singularidad -sumada a la extensión- convierte a "Tristán e Isolda" en una ópera muy difícil de sostener para los solistas, una vara exigente que, sin embargo, permitió el lucimiento del tenor ruso Leonid Zakhozhaev (Tristán), el barítono argentino Hernán Iturralde (Rey Marke de Cornualles) y, algo por debajo, la soprano alemana Katja Beer (Isolda).
En el preludio de la ópera, donde aparece el célebre acorde Tristán, que impone una tensión disonante (tónica, cuarta aumentada, sexta aumentada, novena aumentada), la orquesta encontró la seguridad que le faltó -y había sido acaso el único déficit- en la función del estreno.
El primer acto, donde se tienden los lazos argumentales de la relación entre el orgullo del héroe (Tristán) y el amor de la prometida del Rey (Isolda), relucen los diálogos entre la protagonista (Beer) y su confidente (Adriana Mastrángelo).
Los crescendos de ese segmento languidecen en la atmósfera, más lenta, pero igualmente densa, del segundo acto, donde se consuma el amor entre los protagonistas en el marco de una puesta que, por momentos, pierde dinamismo.
El desenlace del pasaje declamativo conocido como "El himno de la noche" constituyó uno de los momentos imponentes de la noche que, luego, en el tercer acto, tendría su complemento con el cierre del ciclo argumental.
En esa última sección, en pronunciado contraste con el tono predominante en el discurso musical, la ópera se evanesce bajo una atmósfera tenue que, sin embargo, consigue el mismo efecto persuasivo.
Tristán e Isolda - Teatro Argentino de La Plata - Wagner - Marcelo Lombardero - Alejo Pérez
sábado, 27 de agosto de 2011
Santa Nitoca. La ópera de Luis Naón subió en el CETC, con una gran realización musical de Rut Schereiner y la mezzo Susanna Moncayo. 25.08.2011 | Por
Santa Nitoca. La ópera de Luis Naón subió en el CETC, con una gran realización musical de Rut Schereiner y la mezzo Susanna Moncayo.
25.08.2011 | Por Por Federico Monjeau fmonjeau@clarin.com NOTAS RELACIONADAS
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Santa Nitoca Opera Rut Schereiner Susanna Moncayo Santa Nitoca (La chica ni bien ni mal) , ópera de cámara de Luis Naón sobre un texto del poeta francés Yves Pagès, acaba de representarse en el CETC. Compuesta diez años atrás, la obra es un monodrama para mezzoprano, siete instrumentos y cinta. La heroína es una trabajadora de peepshow ; según los autores, “el desafío consistía en volver a darle la palabra a un personaje femenino que, ordinariamente, está enclaustrado en un mutismo total”.
No hay, por decirlo así, “acción” teatral; la escena es mínima, e incorpórea: sólo dos pantallas de video (Diego Pittaluga), una a cada lado de la orquesta, con la proyección del texto (cantado y grabado) sobre cambiantes imágenes femeninas.
La presente representación del CETC introdujo un suplemento “de época”: un baile del caño, a cargo de la dúctil Luisina Guiffrey, aunque esta performance no suma más de tres o cuatro minutos dentro de los sesenta que dura la obra. Pero tal vez el elemento más significativo de la escena sea al mismo tiempo el de mayor simplicidad: el tul rojo que rodea a la orquesta (y a la cantante) forma por sí solo una hermosísima ambientación.
El texto de Pagès resulta excesivamente construido e ingenioso; no evita los juegos de palabras, ni economiza la palabra en general. La música de Naón en cierta forma es lo contrario: es compleja, detallada, diferenciada, pero el esfuerzo no se deja percibir; se la oye integrada en una misma corriente, con absoluta fluidez.
Es fluida también en su ambigua manera de entrar y salir de géneros o estilos (cabaret, tango) sin dejar de ser ella misma, lo que por cierto es una virtud que la obra comparte con la gran realización de Rut Schereiner, al frente de la impecable mezzo Susanna Moncayo y una orquesta de primer orden: Mariano Malamud en viola, Facundo Ordóñez en contrabajo, Silvia Dabul en piano, Pablo Mainetti en bandoneón, Martín Moore en clarinete, María Noel Luzardo en saxo y Oscar Albrieu Roca en percusión.
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clarin
25.08.2011 | Por Por Federico Monjeau fmonjeau@clarin.com NOTAS RELACIONADAS
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No hay, por decirlo así, “acción” teatral; la escena es mínima, e incorpórea: sólo dos pantallas de video (Diego Pittaluga), una a cada lado de la orquesta, con la proyección del texto (cantado y grabado) sobre cambiantes imágenes femeninas.
La presente representación del CETC introdujo un suplemento “de época”: un baile del caño, a cargo de la dúctil Luisina Guiffrey, aunque esta performance no suma más de tres o cuatro minutos dentro de los sesenta que dura la obra. Pero tal vez el elemento más significativo de la escena sea al mismo tiempo el de mayor simplicidad: el tul rojo que rodea a la orquesta (y a la cantante) forma por sí solo una hermosísima ambientación.
El texto de Pagès resulta excesivamente construido e ingenioso; no evita los juegos de palabras, ni economiza la palabra en general. La música de Naón en cierta forma es lo contrario: es compleja, detallada, diferenciada, pero el esfuerzo no se deja percibir; se la oye integrada en una misma corriente, con absoluta fluidez.
Es fluida también en su ambigua manera de entrar y salir de géneros o estilos (cabaret, tango) sin dejar de ser ella misma, lo que por cierto es una virtud que la obra comparte con la gran realización de Rut Schereiner, al frente de la impecable mezzo Susanna Moncayo y una orquesta de primer orden: Mariano Malamud en viola, Facundo Ordóñez en contrabajo, Silvia Dabul en piano, Pablo Mainetti en bandoneón, Martín Moore en clarinete, María Noel Luzardo en saxo y Oscar Albrieu Roca en percusión.
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clarin
subirá a escena el ballet Onieguin , una magnífica creación del coreógrafo John Cranko (1927-1973), quien lo montó originalmente en 1965 con su propia
subirá a escena el ballet Onieguin , una magnífica creación del coreógrafo John Cranko (1927-1973), quien lo montó originalmente en 1965 con su propia compañía, el Ballet de Stuttgart. Para esta reposición con el Ballet del Teatro Colón, llegó a Buenos Aires una pareja de enorme y fina experiencia en esta tarea: la sueca Agneta Valcu y el rumano Victor Valcu, por otra parte marido y mujer.
¿Cómo comparten o cómo dividen el trabajo entre ustedes? Victor : Agneta hace la puesta en escena del ballet y yo me ocupo de la preparación específica de los solistas y primeros bailarines, tanto artística como técnicamente.
Agneta : soy coreóloga, formada en la Notación Benesh ( nota: método de transcripción de obras de ballets como si fueran partituras musicales ) y utilizo la misma partitura para todas las compañías donde reponemos esta obra y otras.
¿Cuántas veces montaron Onieguin en compañías de ballet? A coro los dos : ¡Uhhhh! Muchas.
Onieguin es una obra creada en el siglo XX pero que conserva una estructura del siglo XIX.
¿Cómo trabajaron esos roles, que tienen un carácter más dramático y complejo que en los ballets de repertorio? Victor : Muchos coreógrafos a lo largo del tiempo, incluido George Balanchine, han dicho que era imposible llevar a la danza el poema de Pushkin. Que no se podían traducir en pasos todos los matices de ese poema. Sin embargo, John Cranko se atrevió a hacerlo, y muy afortunadamente porque fue un gran éxito y también porque logró abordar el poema subrayando aspectos de los personajes y dejando al mismo tiempo en un segundo plano los problemas sociales que Pushikn incluye en él. Es cierto, como usted dice, que este ballet tiene una construcción clásica, pero el talento narrativo de Cranko le permitió contar una historia a través de la danza y hacerlo en los puntos esenciales.
¿Qué tipo de bailarines se necesita para esta obra? Victor: Para danzar los roles de Onieguin y Tatiana y también los de Lensky y Olga es preciso contar con bailarines de gran experiencia. No basta ser un buen bailarín clásico con una técnica deslumbrante. Hay que combinarla con un gran talento como intérprete. Hemos probado muchos bailarines magníficos, pero que no “eran” Tatiana u Onieguin.
Agneta : No se trata de reproducir los pasos sino de que los bailarines conozcan las palabras que están detrás de esos pasos. Trabajo con Onieguin desde hace tantos años que conozco lo complejo de la tarea. A veces, le digo a un bailarín “hoy no ensayamos tu rol; es mejor que descanses”, porque veo que emocionalmente no está en condiciones de abordarlo.
laura falcoff
clarin
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¿Cómo comparten o cómo dividen el trabajo entre ustedes? Victor : Agneta hace la puesta en escena del ballet y yo me ocupo de la preparación específica de los solistas y primeros bailarines, tanto artística como técnicamente.
Agneta : soy coreóloga, formada en la Notación Benesh ( nota: método de transcripción de obras de ballets como si fueran partituras musicales ) y utilizo la misma partitura para todas las compañías donde reponemos esta obra y otras.
¿Cuántas veces montaron Onieguin en compañías de ballet? A coro los dos : ¡Uhhhh! Muchas.
Onieguin es una obra creada en el siglo XX pero que conserva una estructura del siglo XIX.
¿Cómo trabajaron esos roles, que tienen un carácter más dramático y complejo que en los ballets de repertorio? Victor : Muchos coreógrafos a lo largo del tiempo, incluido George Balanchine, han dicho que era imposible llevar a la danza el poema de Pushkin. Que no se podían traducir en pasos todos los matices de ese poema. Sin embargo, John Cranko se atrevió a hacerlo, y muy afortunadamente porque fue un gran éxito y también porque logró abordar el poema subrayando aspectos de los personajes y dejando al mismo tiempo en un segundo plano los problemas sociales que Pushikn incluye en él. Es cierto, como usted dice, que este ballet tiene una construcción clásica, pero el talento narrativo de Cranko le permitió contar una historia a través de la danza y hacerlo en los puntos esenciales.
¿Qué tipo de bailarines se necesita para esta obra? Victor: Para danzar los roles de Onieguin y Tatiana y también los de Lensky y Olga es preciso contar con bailarines de gran experiencia. No basta ser un buen bailarín clásico con una técnica deslumbrante. Hay que combinarla con un gran talento como intérprete. Hemos probado muchos bailarines magníficos, pero que no “eran” Tatiana u Onieguin.
Agneta : No se trata de reproducir los pasos sino de que los bailarines conozcan las palabras que están detrás de esos pasos. Trabajo con Onieguin desde hace tantos años que conozco lo complejo de la tarea. A veces, le digo a un bailarín “hoy no ensayamos tu rol; es mejor que descanses”, porque veo que emocionalmente no está en condiciones de abordarlo.
laura falcoff
clarin
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martes, 23 de agosto de 2011
DANZA El tango abordado desde varios ángulos Festival de Buenos Aires. En el Teatro 25 de Mayo se presentó una serie de cinco espectáculos en los que
DANZA
El tango abordado desde varios ángulos
Festival de Buenos Aires. En el Teatro 25 de Mayo se presentó una serie de cinco espectáculos en los que el baile tradicional cedió la pista.
23.08.2011 | Por Laura Falcoff lfalcoff@clarin.com Podria interesarte
Danza El baile de tango es un tesoro inagotable, tanto en su manifestación de danza popular como en su forma escénica. Pero ciertamente esta última especie ha ganado una expansión, un interés y una diversidad que no tiene precedentes en su larga historia anterior. El Festival de Tango de Buenos Aires programó en el bello Teatro 25 de Mayo, de Villa Urquiza, un ciclo de cinco espectáculos, cuya sustancia común es el baile de tango. Comenzó el miércoles con la reposición de Anoche –una recreación del mundo de las milongas por la compañía Anoche Tango, que dirige Camila Villamil- y siguió el jueves con Peso medio , de Julio Zurita, con la compañía Ladociego, inspirada en el boxeo. En las funciones de viernes, sábado y domingo se presentó una selección de obras de los coreógrafos Mario Morales, Leonardo Cuello y Ana María Stekelman, respectivamente. Esta crónica se ocupará más detenidamente de los espectáculos del fin de semana.
Mario Morales es muy conocido en el ambiente del tango escénico como preparador de parejas de baile y creador de coreografías para espectáculos y shows del país y el exterior. Suya fue Ensueño , una serie de tres coreografías interpretadas por dos bailarines increíbles: Vanesa Villalba y Facundo Piñero. Morales combina de una forma maravillosa el erotismo del tango, la destreza refinada y la atmósfera íntima del baile de pareja. Este fue un comienzo extraordinario de la velada, al que siguió Troileana , una obra breve de Morales con diez bailarines que pareció atender más a los diseños en el espacio que a un desarrollo de la danza.
Leonardo Cuello, con la compañía de Tango del IUNA, mostró cinco obras cortas: Nochero soy , Viento Sur , Reina del Plata , Fruta amarga y Domingo , piezas muy contrastantes entre sí y cada una mostrando el dominio que este original coreógrafo posee del vocabulario de tango y del escenario como un mundo a inventar. Por poner dos ejemplos extremos: la atmósfera de salón de baile de Nochero soy , con su inesperado y conmovedor doble final, y el clima festivo de picnic del regocijante Domingo .
El ciclo culminó merecidamente con un popurrí de la conocida coreógrafa Ana María Stekelman y su compañía Tangokinesis. Stekelman inició una corriente muy innovadora en el género hace ya casi veinte años, cuando fundó al mismo tiempo su compañía y un particular enfoque del tango escénico; en este enfoque incidió, sin duda, su propia trayectoria en la danza contemporánea. Para este ciclo del Festival de Tango la coreógrafa eligió momentos muy bellos de su amplio repertorio, que aquí resplandeció con sus valores mejores y más perdurables. Tres momentos fenomenales: una versión de La cumparsita , otra de Cascabelito y un trío masculino de aire definitivamente criollo.
clarin
El tango abordado desde varios ángulos
Festival de Buenos Aires. En el Teatro 25 de Mayo se presentó una serie de cinco espectáculos en los que el baile tradicional cedió la pista.
23.08.2011 | Por Laura Falcoff lfalcoff@clarin.com Podria interesarte
Danza El baile de tango es un tesoro inagotable, tanto en su manifestación de danza popular como en su forma escénica. Pero ciertamente esta última especie ha ganado una expansión, un interés y una diversidad que no tiene precedentes en su larga historia anterior. El Festival de Tango de Buenos Aires programó en el bello Teatro 25 de Mayo, de Villa Urquiza, un ciclo de cinco espectáculos, cuya sustancia común es el baile de tango. Comenzó el miércoles con la reposición de Anoche –una recreación del mundo de las milongas por la compañía Anoche Tango, que dirige Camila Villamil- y siguió el jueves con Peso medio , de Julio Zurita, con la compañía Ladociego, inspirada en el boxeo. En las funciones de viernes, sábado y domingo se presentó una selección de obras de los coreógrafos Mario Morales, Leonardo Cuello y Ana María Stekelman, respectivamente. Esta crónica se ocupará más detenidamente de los espectáculos del fin de semana.
Mario Morales es muy conocido en el ambiente del tango escénico como preparador de parejas de baile y creador de coreografías para espectáculos y shows del país y el exterior. Suya fue Ensueño , una serie de tres coreografías interpretadas por dos bailarines increíbles: Vanesa Villalba y Facundo Piñero. Morales combina de una forma maravillosa el erotismo del tango, la destreza refinada y la atmósfera íntima del baile de pareja. Este fue un comienzo extraordinario de la velada, al que siguió Troileana , una obra breve de Morales con diez bailarines que pareció atender más a los diseños en el espacio que a un desarrollo de la danza.
Leonardo Cuello, con la compañía de Tango del IUNA, mostró cinco obras cortas: Nochero soy , Viento Sur , Reina del Plata , Fruta amarga y Domingo , piezas muy contrastantes entre sí y cada una mostrando el dominio que este original coreógrafo posee del vocabulario de tango y del escenario como un mundo a inventar. Por poner dos ejemplos extremos: la atmósfera de salón de baile de Nochero soy , con su inesperado y conmovedor doble final, y el clima festivo de picnic del regocijante Domingo .
El ciclo culminó merecidamente con un popurrí de la conocida coreógrafa Ana María Stekelman y su compañía Tangokinesis. Stekelman inició una corriente muy innovadora en el género hace ya casi veinte años, cuando fundó al mismo tiempo su compañía y un particular enfoque del tango escénico; en este enfoque incidió, sin duda, su propia trayectoria en la danza contemporánea. Para este ciclo del Festival de Tango la coreógrafa eligió momentos muy bellos de su amplio repertorio, que aquí resplandeció con sus valores mejores y más perdurables. Tres momentos fenomenales: una versión de La cumparsita , otra de Cascabelito y un trío masculino de aire definitivamente criollo.
clarin
viernes, 29 de julio de 2011
EL ESCENARIO SEGUN PARTEDELSHOW
iñaki
medea
bocca y piquin
partedelshowLos días 11 y 12 de agosto, estrellas de la Opera National de París, el Teatro Bolshoi de Moscú, el American Ballet Theatre, el Teatro Colón de Buenos Aires, el New York City Ballet, Eastman de Bruselas, el Staatsballett de Berlín, el Teatro Argentino de La Plata y la Compañía Nacional de Danza Contemporánea de Argentina actuarán juntas en el teatro Coliseo, en una presentación que incluye composiciones de Tchaicovsky, Jacques Brel y George Gershwin entre otros.
El programa de la Primera Gala de Ballet de Buenos Aires incluye las siguientes performances:
.PrincipalDANZA
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."CASCANUECES" CONTINUA CON FUNCIONES AGOTADAS
Enviado
partedelshow-mariana jaccazio
El diario "Libre" de hoy publica las nuevas inversiones del conductor en Miami para dejar de visitar hoteles en cada uno de sus viajes.
Por otro lado también es intención de Marcelo junto a un grupo de inversores emprender en un complejo de fincas en Mendoza, una especie de country con viñas en cada parcela vendida donde posteriormente la producción del complejo será vinificada y repartida en partes proporcionales entre sus dueños.
.PERSONAJESSecundaria
.A las 11 hs en Radio Rivadavia, Fabián Gianola recibe al mediático FORT en el programa "Estamos locos" para que realice su descargo luego del "descanso obligado" de su imagen dispuesto por la emisora que ofrece el "Bailando por un sueño".
jueves, 14 de julio de 2011
LUZ DEL ALBA RUBIO
UNA SOPRANO URUGUAYA DE LUJO.
La talentosa cantante lírica Luz del Alba Rubio se presenta en nuestro país.
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Uruguay recibe a una de sus artistas prodigio. Se trata de Luz del Alba Rubio, la soprano conocida en el mundo entero por haber actuado con distintas personalidades del mundo de la opera como Plácido Domingo, entre otros.
La cita será en el Hotel Conrad el viernes 27 de febrero a las 22 horas. En programa figuran obras de Mozart, Rossini, Turandot, Donizetti, Puccini, Andrew Lloyd Weber y George Gershwin, entre otros.
La artista ya se ha presentado en nuestro país, siendo su presentación más recordada la realizada en el Teatro Solis en el 2005.
“En este concierto voy a cantar arias de La flauta mágica y Don Giovanni, dos óperas de Mozart que me fascinan", comentó Rubio a El País.
En estos últimos años, Luz del Alba Rubio ha cantado en los principales escenarios de Europa, Canadá, Estados Unidos y desde 2006, China también se ha incorporado a su agenda.
Ultimas Noticias“La boda estuvo diseñada con teatralidad y glamour”Martin Roig, el ambientador del casamiento de Lopilato-Bublé
“Por fin llego el dia”El civil de Lopilato y Bublé
“Nos robaron mientras festejabamos”Eduardo Lopilato, en la casa de su hija, luego del hurto
“Les regale un show mágico”Ricardo Montaner hizo corear a los novios
“Nuestra boda fue como la soñamos”El principesco y millonario Casamiento de Lopilato-BubléWallpapersDIVOS
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Uruguay recibe a una de sus artistas prodigio. Se trata de Luz del Alba Rubio, la soprano conocida en el mundo entero por haber actuado con distintas personalidades del mundo de la opera como Plácido Domingo, entre otros.
La cita será en el Hotel Conrad el viernes 27 de febrero a las 22 horas. En programa figuran obras de Mozart, Rossini, Turandot, Donizetti, Puccini, Andrew Lloyd Weber y George Gershwin, entre otros.
La artista ya se ha presentado en nuestro país, siendo su presentación más recordada la realizada en el Teatro Solis en el 2005.
“En este concierto voy a cantar arias de La flauta mágica y Don Giovanni, dos óperas de Mozart que me fascinan", comentó Rubio a El País.
En estos últimos años, Luz del Alba Rubio ha cantado en los principales escenarios de Europa, Canadá, Estados Unidos y desde 2006, China también se ha incorporado a su agenda.
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miércoles, 8 de junio de 2011
PUCCINI...BY PODA
Stefano Poda: "Sé lo que quiero decir, pero no me parece ético darlo masticado"
Entrevista. Director de escena, coreógrafo, vestuarista e iluminador Es quien lleva la producción de “El Tríptico”, de Puccini que se verá el viernes en el Colón. Y dice que le gusta ser vanguardista para el público tradicional del teatro. Un desafío.
07.06.2011 | Por Sandra De La Fuente Especial Para Clarín NOTAS RELACIONADAS
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Stefano Poda El director de escena, escenógrafo, coreógrafo, vestuarista e iluminador Stefano Poda es quien lleva la producción del Tríptico pucciniano, el título que subirá a escena en el Teatro Colón a partir del viernes.
Aunque sus puestas suelen ser juegos de abstracción que la crítica define como vanguardistas, Poda sostiene que está muy lejos de ser un provocador. “Si tengo una ley es la de no provocar. La provocación produce un gran efecto y consigue que no se hable de la obra sino de uno mismo. Y a mí no me gusta llamar la atención. Pero sé que el tipo de trabajo que hago divide las aguas, produce grandes amores y también grandes desamores”, confiesa en un perfecto castellano rioplatense que aprendió en sus largas estadías en Montevideo.
De cualquier modo, deberá aceptar que las estéticas abstractas no son frecuentes en la lírica y mucho menos en la italiana.
Cada uno tiene su búsqueda y, en mi caso, después de 70 producciones, ni siquiera me planteo darle un nombre a lo que hago. Intentar hacerlo sería encarcerlar las obras. Creo en el Goethe que afirma que uno empieza sabiendo y termina siendo ignorante. Cuando era más joven quería encontrar un concepto; ahora, en cambio, busco el no-concepto. Esa es mi meta.
¿Qué es ese no-concepto? Es un trabajo duro porque viene con la madurez y tiene que nacer de adentro, de las tripas, del sufrimiento, de la impotencia o de la alegría de lo descubierto. Para mí hay sólo dos cosas: luz y paciencia, mucha paciencia porque con la música debe suceder lo que al ladrón le pasa con la caja fuerte, se debe esperar a que suene el clic que abra la puerta que hasta el momento parecía sellada. Y en ópera hubo un desarrollo tan grande entre Mozart y el verismo que no hubo el tiempo material para esperar, para entender, para elaborar un método. A los enormes cambios estéticos que sufrió en doscientos años hay que sumarle lo que sucedió a partir de los años ‘50, cuando la reiteración de ciertos títulos obligó a los productores a pensar no sólo con seriedad sino también con cierta idea de novedad. Entonces se acudió al cine. Y a mí no me parece que haya operación más dañina que la de incluir el cine dentro de la ópera.
¿Por qué? Porque la ópera se canta, no se habla. Los tiempos dramatúrgicos de la ópera no son los tiempos dramáticos del teatro y menos los del cine. La ópera procede a través de símbolos. Entonces necesita un lenguaje aparte, distinto. Para responder a la pregunta de qué es ese no-concepto, creo que la música nos libera de la condición estricta de la inteligencia, porque a manera del sueño nos lleva a una condición que es mucho más abierta, mucho más amplia. Así como el sueño nos lleva a nuestra verdadera vida, la vida nos abre todos los canales de la sensibilidad.
Entonces en sus puestas es la música la que conduce, la que juega el rol vital...
Vital no: único y absoluto.
Y espera que de la música surja la escena.
Mucho más que eso, para mí el espectador tiene que ser espectador de sí mismo. Se terminó esa idea romántica del maestro de escena que hace de medium con el compositor o que está más arriba intelectualmente que el común del espectador. No creo en el maestro de escena que posee las riendas, las soluciones que el espectador mismo debería tener. Tampoco comparto esa idea de actualizar la acción. Me parece anacrónica; si nosotros vemos cada vez más Puccini y Verdi es porque sus obras siguen hablándonos a nosotros. No es un traje de cuero y unas botas de soldado nazi que los hará más o menos modernos. Desconfío mucho de esa cosa falsamente moderna que es poner a la Traviata muriéndose de sida. La ópera es una señora de mucha alcurnia, y vestirla con Dolce y Gabbana no la vuelve moderna, la ridiculiza. Es como un gato puesto en agua: pierde la elegancia, el aplomo y la fascinación. La modernidad es una cuestión interna, secreta, un asunto que no se añade ni se quita: se vive y tiene un pulso propio. La partitura es eterna y su interpretación es perecedera. No tengo la veleidad de hacer una puesta absoluta y es más, miro mis puestas de hace diez años con cierta clemencia. La idea sobre la que trabajo, entonces, es la de no dar un tiempo ni una ambientación. Cada uno de nosotros reconoce del mundo externo lo que ya lleva adentro. ¿Por qué nos interesan las historias de Traviata , Suor Angelica o Butterfly ? Porque las leemos sobre el escenario de nuestra alma, como máximo paradigma de nuestra sensibilidad. Entonces lo que quiero es ofrecer una reja absolutamente despojada de eventos que permitan la elaboración al propio espectador. Sé lo que quiero decir, pero no me parece ético darlo masticado. En eso consiste mi deber como régisseur, quiero que el teatro funcione como una iglesia abierta a la fe.
Es una refundación de la ópera, que a través de su historia se cargó de ostentación visual.
Exactamente. Por eso la escenografía es nada, apenas luz, agua reflejada sobre un espejo y el juego de luz que provoca.
¿Es esa necesidad de refundar el género la que lo lleva a ocupar todos los estamentos de la producción, desde la de director de escena hasta la de coreógrafo, iluminador y escenógrafo? En toda mi vida hice siempre toda la producción: escenografía, luces, coreografía, vestuario, puesta. Siempre tuve varios talentos pero ninguno en particular. ¡Por suerte descubrí la ópera, que me salvó del psicoanalista! Debo aclarar que en este caso no hice la escenografía, la dejé en manos de Daniel Feijoo. Pero ahora quiero redoblar mi propia apuesta, quitar aún más. Me sucede un poco lo que ya viví hace una década atrás en este mismo país, cuando presenté en Mendoza un Orfeo y Eurídice . Creo que allí, en ese sitio distinto y lejano donde nadie me conocía, donde estaba todo por hacerse con un elenco tan entusiasta como eficiente entendí qué era lo que deseaba como artista.
¿La experiencia del público europeo lo condiciona? No, nunca pienso en el público al cual me dirijo. No me parece honesto desviar mi camino para agradar al público. En verdad, es un experimento conmigo mismo también. El público del Teatro Colón tiene una gran tradición. Y a mí me gusta contar con ese público para hacer una operación que es vanguardista, pero no lo es no por moderna sino por antigua, antigua a la manera trágica griega, por la universalidad del discurso.
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Entrevista. Director de escena, coreógrafo, vestuarista e iluminador Es quien lleva la producción de “El Tríptico”, de Puccini que se verá el viernes en el Colón. Y dice que le gusta ser vanguardista para el público tradicional del teatro. Un desafío.
07.06.2011 | Por Sandra De La Fuente Especial Para Clarín NOTAS RELACIONADAS
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Cada uno tiene su búsqueda y, en mi caso, después de 70 producciones, ni siquiera me planteo darle un nombre a lo que hago. Intentar hacerlo sería encarcerlar las obras. Creo en el Goethe que afirma que uno empieza sabiendo y termina siendo ignorante. Cuando era más joven quería encontrar un concepto; ahora, en cambio, busco el no-concepto. Esa es mi meta.
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Exactamente. Por eso la escenografía es nada, apenas luz, agua reflejada sobre un espejo y el juego de luz que provoca.
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EL TRIPTICO DEL DANTE
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Análisis. Cada una de las obras contempla la falta de esperanza, el infierno y la salvación.
08.06.2011 Podria interesarte
Stefano Poda Dante Puccini Verdi El Tríptico (1918) es una de las últimas creaciones de Puccini. No se trata de un tríptico en el sentido de la pintura religiosa; no hay una narración en tres capítulos, sino tres óperas breves de un acto cada una, independientes en la temática y en el estilo: Il tabarro , Suor Angelica y Gianni Schicchi .
El tabarro (el capote), con su sórdida ambientación portuaria y su triángulo amoroso, pertenece por entero al género “verista”, nombre que se le dio a la ópera posromántica italiana de contenido social.
Situada en un convento italiano de fines del siglo XVII, Suor Angelica tiene la característica morbidezza (blandura, suavidad) de Madama Butterfly , con la que además guarda un fuerte paralelo.
Suor Angelica y Butterfly se desarrollan en torno de un personaje femenino que se suicida por la pérdida del hijo; en el caso de Butterfly , la pérdida es por la frustración de una ilusión familiar; en el de Suor Angelica , por la muerte misma de su hijo.
Gianni Schicchi , ambientada en una soleada Florencia de 1299, pertenece a la commedia del arte , con el pícaro Schicchi que dicta un nuevo testamento en favor suyo desde el lecho de muerte. Schicchi es un personaje histórico que Dante retrató en el Octavo Círculo del Infierno, habitado por falsificadores. Hacia el final de la ópera Puccini y el libretista Forzano le dedican un irónico párrafo al autor de la Divina Comedia : “Por esta triquiñuela mía he sido condenado al infierno -exclama el barítono Schicchi-. ¡Así sea! Pero si, con permiso del gran padre Dante, habéis disfrutado esta noche, ¡me concederéis circunstancias atenuantes!”.
Gianni Schicchi es lo único que quedó del proyecto original de Puccini de tomar tres respectivos espisodios del Infierno, el Purgatorio y el Paraíso. No obstante, como observa Mosco Carner, “si tenemos en cuenta la atmósfera característica de cada ópera, no puede negarse que cada una refleja, de modo muy general, la imagen correspondiente en los tres conceptos de Dante: Il tabarro , con su trama opresiva y sin esperanza, se relaciona con el infierno; Suor Angelica , un relato de pecado mortal y salvación a través de la Gracia Divina, con el Purgatorio; y Gianni Schicchi , en su atmósfera liberadora y vital, con el Paraíso.” «
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sábado, 26 de marzo de 2011
miércoles, 23 de marzo de 2011
ALICIA ALONSO CRITICA EL CISNE NEGRO
critica 'El Cisne Negro'
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23-Marzo-2011
Tags Relacionados: alicia alonso, criticas, ballet, black swan.La directora del Ballet de Cuba asegura que el filme no refleja la realidad de la disciplina y puede alejar a los niños de querer hacer una carrera de danza
La directora del Ballet de Cuba asegura que el filme no refleja la realidad de la disciplina. Foto: Vanguardia/ Archivo
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Mérida.- La directora del Ballet Nacional de Cuba, Alicia Alonso, mantuvo aquí sus duras críticas a la película 'Cisne negro' y expresó su preocupación porque ese tipo de trabajos, lejos de reflejar una realidad, propicie que lo padres alejen a sus hijos del ballet y les permitan hacer una carrera.
'Si de lo que se trataba era de enseñarle al mundo lo que es el ballet, pues para mi es dinero tirado y además lejos de acercar a la gente, muchos padres han de quedar horrorizados con la historia y jamás querrán que sus hijos hagan carrera en el baile', agregó.
En declaraciones durante una conferencia de prensa en esta capital, donde el ballet que dirige se presentará interpretando precisamente el 'Lago de los Cisnes', Alonso expresó que si bien el ballet exige mucha disciplina y esfuerzo, pues requiere de una fuerza atlética, no se trata de ser famoso a cualquier precio y pasar por encima de todo el mundo para lograrlo.
Alonso reconoció que no ha ido a ver la película porque 'simple y sencillamente me rehuso a verla, porque lo que he visto hasta ahora y lo que me han contado, nada tiene que ver con lo que verdaderamente es el ballet y más bien trata de la vida de una persona que está dispuesta a todo por la fama y la fortuna'.
'Quien baila lo hace porque le gusta, no porque va a ser famoso y afortunado, afortunado es ya quien viene a este mundo y hace lo que le gusta, y el bailarín eso hace, bailar; vivir intensamente, a través de la danza y si la fama llega, que bueno, y si no, también', explicó.
Por ello, añadió, aunque respeta mucho a la actriz que interpreta a la protagonista de la historia del 'Cisne Negro' (Portman), cree que si realmente la idea era reflejar lo que es vivir el ballet y la danza, tendrían que haber hecho una historia muy distinta y 'no tirar tanto dinero a la basura'.
La reconocida artista caribeña está en esta ciudad para dirigir un par de presentaciones de 'El Lago de los Cisnes', por parte de los integrantes del ballet cubano, en la explanada de la Santa Iglesia Catedral de esta ciudad y la otra en la zona arqueológica de Dzibilchaltún.
Sobre la presentación en la zona aseguró que se trata de una de las más emotivas de su carrera, pues es gran admiradora de las historias y leyendas de los antiguos pobladores de estas tierras.
'Soy una apasionada de la cultura maya, que sin duda ha dejado un legado maravilloso para todos nosotros y será un escenario realmente imponente, todos los que conformamos la compañía estamos enamorados de lo que hacemos, así que creemos que será un gran espectáculo, un gran momento para todos', finalizó.
La presentación en Dzibilchaltun está programada para el 2 de abril, aunque aún hay que afinar detalles y acuerdos con el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).
El Ballet Nacional de Cuba es una de las más prestigiadas compañías dancísticas del mundo y ocupa un lugar prominente en la cultura hispanoamericana contemporánea, a decir de los críticos internacionales.
Tags Relacionados: alicia alonso, criticas, ballet, black swankg
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23-Marzo-2011
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La directora del Ballet de Cuba asegura que el filme no refleja la realidad de la disciplina. Foto: Vanguardia/ Archivo
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Mérida.- La directora del Ballet Nacional de Cuba, Alicia Alonso, mantuvo aquí sus duras críticas a la película 'Cisne negro' y expresó su preocupación porque ese tipo de trabajos, lejos de reflejar una realidad, propicie que lo padres alejen a sus hijos del ballet y les permitan hacer una carrera.
'Si de lo que se trataba era de enseñarle al mundo lo que es el ballet, pues para mi es dinero tirado y además lejos de acercar a la gente, muchos padres han de quedar horrorizados con la historia y jamás querrán que sus hijos hagan carrera en el baile', agregó.
En declaraciones durante una conferencia de prensa en esta capital, donde el ballet que dirige se presentará interpretando precisamente el 'Lago de los Cisnes', Alonso expresó que si bien el ballet exige mucha disciplina y esfuerzo, pues requiere de una fuerza atlética, no se trata de ser famoso a cualquier precio y pasar por encima de todo el mundo para lograrlo.
Alonso reconoció que no ha ido a ver la película porque 'simple y sencillamente me rehuso a verla, porque lo que he visto hasta ahora y lo que me han contado, nada tiene que ver con lo que verdaderamente es el ballet y más bien trata de la vida de una persona que está dispuesta a todo por la fama y la fortuna'.
'Quien baila lo hace porque le gusta, no porque va a ser famoso y afortunado, afortunado es ya quien viene a este mundo y hace lo que le gusta, y el bailarín eso hace, bailar; vivir intensamente, a través de la danza y si la fama llega, que bueno, y si no, también', explicó.
Por ello, añadió, aunque respeta mucho a la actriz que interpreta a la protagonista de la historia del 'Cisne Negro' (Portman), cree que si realmente la idea era reflejar lo que es vivir el ballet y la danza, tendrían que haber hecho una historia muy distinta y 'no tirar tanto dinero a la basura'.
La reconocida artista caribeña está en esta ciudad para dirigir un par de presentaciones de 'El Lago de los Cisnes', por parte de los integrantes del ballet cubano, en la explanada de la Santa Iglesia Catedral de esta ciudad y la otra en la zona arqueológica de Dzibilchaltún.
Sobre la presentación en la zona aseguró que se trata de una de las más emotivas de su carrera, pues es gran admiradora de las historias y leyendas de los antiguos pobladores de estas tierras.
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La presentación en Dzibilchaltun está programada para el 2 de abril, aunque aún hay que afinar detalles y acuerdos con el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).
El Ballet Nacional de Cuba es una de las más prestigiadas compañías dancísticas del mundo y ocupa un lugar prominente en la cultura hispanoamericana contemporánea, a decir de los críticos internacionales.
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viernes, 18 de marzo de 2011
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Sexo, mentiras y polémica en el BolshóiEl director del Ballet ruso más prestigioso dimite tras salir a la luz varias fotografías eróticas supuestamente suyas
Esmeralda González Recio / Fotos: GTres
viernes, 18 de marzo de 2011, 11:10
Madrid.- Las intrigas y los escándalos sexuales en el teatro Bolshói han deshonrado la imagen de la famosa compañía de ballet ruso en los últimos días. La aparición de unas fotografías eróticas en las que supuestamente se veía al director del conjunto de baile, Guennadi Yanin, han desatado el escándalo que ha terminado con la dimisión del propio Yanin. Todo comenzó cuando un anónimo envió las imágenes pornográficas a través de miles de correos electrónicos. En ellas, se ve a un hombre con un parecido francamente razonable al director del ballet Bolshói en posturas sexuales de lo más atrevidas.
La noticia corrió rápidamente como la pólvora y ha terminado con la renuncia de Guennadi Yanin, ante la presión mediática y social por el escándalo. Sin embargo, puede que no todo sea lo que parece. Según el diario ruso 'Kommersant', el ex director del ballet podría haber sido víctima de una trampa utilizada por grupos cercanos al Kremlin. Con el objetivo de desprestigiar a las personas críticas con el poder, se envía información comprometida que desata el escándalo, sin importar si las fotografías son auténticas realmente. El periódico apuntaba así que la trampa del Kremlin había sido muy efectiva: "A pesar de toda la malicia de sus acciones, logró su objetivo". Algunos críticos con el ballet apuntaron también que el bailarín era víctima de una falsificación.
Puede que tratasen de impedir que el ya ex director del ballet Bolshói asumiera el cargo a director artístico de la compañía rusa, puesto para el que era uno de los principales candidatos por su prestigiosa carrera como bailarín y director. Tras su renuncia, Yanin ha explicado que nadie le obligo a dimitir y alegó que había sido una decisión propia porque estaba muy cansado: "se puede decir que utilicé esta situación para abandonar mi puesto sin problemas. Hace tiempo que quería hacerlo y ahora el feo comportamiento de mis colegas ha acelerado mi decisión", aseguró.
Y como suele decirse a rey muerto, rey puesto, el Bolshói ya tiene un nuevo director de ballet, Jan Godovski que declaró estar contento con el nombramiento: "Es inesperado para mí. Me he negado, pero siguieron pidiéndome que asuma el cargo", dijo a Reuters. "Es definitivamente una mejora para mí", añadió el bailarín. En cuanto al puesto de director artistico, tras abandonar su puesto por finalización del contrato Yuri Burlaki y después de la dimisión de Yanin, parece que el puesto estará vacante hasta una fecha desconocida. Podría ser que en unas dos semanas el tema se solucionase, pero aún no hay un nombre que suene como el definitivo.
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LA VOZ LIBRE
Esmeralda González Recio / Fotos: GTres
viernes, 18 de marzo de 2011, 11:10
Madrid.- Las intrigas y los escándalos sexuales en el teatro Bolshói han deshonrado la imagen de la famosa compañía de ballet ruso en los últimos días. La aparición de unas fotografías eróticas en las que supuestamente se veía al director del conjunto de baile, Guennadi Yanin, han desatado el escándalo que ha terminado con la dimisión del propio Yanin. Todo comenzó cuando un anónimo envió las imágenes pornográficas a través de miles de correos electrónicos. En ellas, se ve a un hombre con un parecido francamente razonable al director del ballet Bolshói en posturas sexuales de lo más atrevidas.
La noticia corrió rápidamente como la pólvora y ha terminado con la renuncia de Guennadi Yanin, ante la presión mediática y social por el escándalo. Sin embargo, puede que no todo sea lo que parece. Según el diario ruso 'Kommersant', el ex director del ballet podría haber sido víctima de una trampa utilizada por grupos cercanos al Kremlin. Con el objetivo de desprestigiar a las personas críticas con el poder, se envía información comprometida que desata el escándalo, sin importar si las fotografías son auténticas realmente. El periódico apuntaba así que la trampa del Kremlin había sido muy efectiva: "A pesar de toda la malicia de sus acciones, logró su objetivo". Algunos críticos con el ballet apuntaron también que el bailarín era víctima de una falsificación.
Puede que tratasen de impedir que el ya ex director del ballet Bolshói asumiera el cargo a director artístico de la compañía rusa, puesto para el que era uno de los principales candidatos por su prestigiosa carrera como bailarín y director. Tras su renuncia, Yanin ha explicado que nadie le obligo a dimitir y alegó que había sido una decisión propia porque estaba muy cansado: "se puede decir que utilicé esta situación para abandonar mi puesto sin problemas. Hace tiempo que quería hacerlo y ahora el feo comportamiento de mis colegas ha acelerado mi decisión", aseguró.
Y como suele decirse a rey muerto, rey puesto, el Bolshói ya tiene un nuevo director de ballet, Jan Godovski que declaró estar contento con el nombramiento: "Es inesperado para mí. Me he negado, pero siguieron pidiéndome que asuma el cargo", dijo a Reuters. "Es definitivamente una mejora para mí", añadió el bailarín. En cuanto al puesto de director artistico, tras abandonar su puesto por finalización del contrato Yuri Burlaki y después de la dimisión de Yanin, parece que el puesto estará vacante hasta una fecha desconocida. Podría ser que en unas dos semanas el tema se solucionase, pero aún no hay un nombre que suene como el definitivo.
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LA VOZ LIBRE
martes, 7 de diciembre de 2010
viernes, 3 de abril de 2009
dansa y opera
Temporada de Danza 2009 ¨Graciela Figueroa¨, comienza la venta de abonos
Espectáculos
Comienza el 1er. tramo de la Temporada 2009. Inicia en marzo con el Ballet del Sodre. Sigue Iñaki Urlezaga con Carmina Burana , el Ballet Nacional de Chile con Gigi Caciuleanu nos regalará Valparaíso Vals , Déborah Colker nos asombrará desde Brasil y la homenajeada de la Temporada nos regalará su obra con música de Bach. Abonos en venta a partir del viernes 6 de marzo, en la boletería del Teatro. En "ampliar" , información sobre abonos. En "programación" información sobre los espectáculos.
JUNIO, AGOSTO Y SETIEMBRE - SALA PRINCIPAL
Temporada de Ópera 2009 en el Teatro Solís: dos títulos imperdibles
Espectáculos
Este año, la Temporada de Ópera en el Teatro Solís tendrá dos grandes títulos de este género incomparable. ''Nabucco'' de Giuseppe Verdi que estrena en junio y ''Barbero de Sevilla'' de Gioacchino Antonio Rossini cuyo estreno será el 25 de agosto. Como todos los años, esta es una co-producción del Teatro Solís y la Orquesta Filarmónica, que realiza la Intendencia Municipal de Montevideo. Las entradas bonificadas se ponen a la venta el día 2 de abril.
Espectáculos
Comienza el 1er. tramo de la Temporada 2009. Inicia en marzo con el Ballet del Sodre. Sigue Iñaki Urlezaga con Carmina Burana , el Ballet Nacional de Chile con Gigi Caciuleanu nos regalará Valparaíso Vals , Déborah Colker nos asombrará desde Brasil y la homenajeada de la Temporada nos regalará su obra con música de Bach. Abonos en venta a partir del viernes 6 de marzo, en la boletería del Teatro. En "ampliar" , información sobre abonos. En "programación" información sobre los espectáculos.
JUNIO, AGOSTO Y SETIEMBRE - SALA PRINCIPAL
Temporada de Ópera 2009 en el Teatro Solís: dos títulos imperdibles
Espectáculos
Este año, la Temporada de Ópera en el Teatro Solís tendrá dos grandes títulos de este género incomparable. ''Nabucco'' de Giuseppe Verdi que estrena en junio y ''Barbero de Sevilla'' de Gioacchino Antonio Rossini cuyo estreno será el 25 de agosto. Como todos los años, esta es una co-producción del Teatro Solís y la Orquesta Filarmónica, que realiza la Intendencia Municipal de Montevideo. Las entradas bonificadas se ponen a la venta el día 2 de abril.
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