bailarina y coreógrafa Luciana Achugar desde hoy en la Zavala Muniz. “Magia, misterio y oscuridad”, todos elementos de inspiración gótica, son los in

bailarina y coreógrafa Luciana Achugar desde hoy en la Zavala Muniz.

“Magia, misterio y oscuridad”, todos elementos de inspiración gótica, son los ingredientes esenciales de Puro deseo, la nueva puesta en escena de la bailarina y coreógrafa uruguaya -radicada en Nueva York- Luciana Achugar, que se podrá ver en la sala Zavala Muniz desde hoy hasta el martes.

Creadora contemporánea con ideas complejas pero claras, Achugar (Montevideo, 1970) propone en sus obras una comunicación tan básica y visceral como intelectual e intrincada, una extraña combinación directamente vinculada con su particular concepción de la danza como una forma de recuperar lo más primitivo del ser y de crear significados a varios niveles para subvertir el orden establecido. Artista interesada en revalorar el costado más intuitivo y naïve de su disciplina, se define a sí misma y a sus bailarinas como “dancer as working class” (parte de la clase obrera), ya que generan su trabajo mediante el esfuerzo físico. Consciente de las dificultades del asunto, Achugar quiere creer que el arte podría ejercer una suerte de sanación aunque por momentos lo encuentra de lo más absurdo. Puro deseo, estrenada en The Kitchen (Nueva York) en 2010 y galardonada con un Bessie Award, es el más reciente conjuro de esta artista que fue definida por la crítica estadounidense como una “downtown wild child from Uruguay” (una malcriada neoyorquina de Uruguay).

-¿En qué consiste Puro deseo y qué ideas te circundaron durante su creación?
-Es un dúo, pero la idea es que es un solo que es a la vez un dúo. Es como que los dos solos ocurren paralelamente en el espacio y luego se encuentran en un dúo. Comenzó con la fantasía de la posibilidad de encantar al público con la idea de la relación entre el teatro y el ritual. Me interesa la pregunta sobre la función que tiene la danza en la historia de llevar algo a la escena, la historia del teatro en nuestra civilización occidental y la conexión de la danza con el cuerpo y con algo que es más ritual, porque la danza empieza con la música, como parte de rituales y de cosas muy primarias, mucho antes de la civilización occidental, la predemocracia y la invención del teatro como contrato social. Me interesa ver la relación entre esas dos cosas y crear desde un lugar más interior, no tanto desde cómo se ve, aunque me interesa el aspecto visual de la danza como forma. Me intriga el aspecto vivencial de la danza y que siempre existe esa separación entre el público y la vivencia que está teniendo el bailarín; cuando creo algo trato de transmitir esa vivencia y generar algo similar o de otro tipo en el público, para que no sea como ver televisión. Me interesa hablar de lo que tiene de especial el espectáculo en vivo, que tiene que ver con que el performer y el público viven el mismo momento en simultáneo. A partir de ese tipo de ideas surge esto, que es como una fantasía del performer como alguien con poderes mágicos que viene a sanar o a hechizar al público. Es algo que tomo en serio pero que a la vez tiene una parte medio absurda, porque soy consciente de que es una fantasía querer hechizar al público. No me creo realmente que voy a lograr eso. No es ritual, es teatro, pero juega con eso: con la idea de que con tu arte podés sanar al público, que como artista tenés una misión, que el arte sirve para algo que no es sólo mostrar algo y se acabó. Viene del deseo como artista de generar un cambio, una transformación en uno mismo y en el público más que nada.

-En la novela gótica el cuerpo es el de una damisela que va a perder su virginidad, el de las criaturas monstruosas. Hay un erotismo misterioso y un hincapié en lo macabro, lo pecaminoso. ¿Por qué te interesó el retrato del cuerpo que hace esa literatura?
-Eran simplemente imágenes que me venían cuando estaba haciendo improvisación o trabajo de búsqueda, por eso de la idea del hechizo y de las brujas. Luego empecé a sentir una conexión entre el misterio de lo que es el cuerpo. Aunque hoy día podés hacerte una resonancia magnética y ver dentro de tu cuerpo, las energías y lo que ocurre dentro de él sigue siendo un misterio, al igual que la capacidad que tiene de sanarse. En la literatura gótica, como en las películas de vampiros y hombres lobo, siempre están presentes la fantasía, el deseo exagerado, la sangre, lo erótico, lo prohibido, el hombre salvaje y el hombre animal, que son temas que he tratado en mi obra. Si bien somos una sociedad avanzada que dispone de internet, máquinas y robots, el cuerpo es algo que todavía nos recuerda de dónde venimos, la conexión con lo animal, las vísceras. Muchos de los movimientos tienen que ver con crear un nuevo cuerpo, cuando hacés un espectáculo estás recreándote, inventándote un nuevo ser, y eso es lo que hace el coreógrafo con los bailarines. Si hacés mucha musculación o ballet tu cuerpo se va a transformar en otra cosa; pienso que el coreógrafo con el bailarín es una especie de Dr. Frankestein. Hay gente que habla de la tendencia del uso del cuerpo como una especie de tecnología, porque si pensás en la técnica de ballet o en la técnica de Merce Cunningham, ambas crean cuerpos capaces de distintas cosas; son como herramientas. Yo cuestiono esa forma de trabajar. Siento que esas películas de misterio, de terror, donde alguien viene y corta un brazo con un hacha que luego crece de nuevo, tienen que ver con los miedos de lo que es estar en nuestro cuerpo, de vivir en estos cuerpos en los que vivimos.

-La novela gótica también antepone lo irracional a lo racional, el caos al orden. ¿Qué otros elementos de lo gótico te llevaron a crear?
-El cuerpo lleno de vida, de sangre. Como artista tenés que escribir propuestas para juntar fondos, entonces pensé: “¿Cómo puedo juntar fondos para algo que no tengo la menor idea de lo que es?” Entonces pensé que podía hablar de mi ideología sobre la danza, del momento previo al diseño, el momento antes de moverte cuando estás lleno de deseo, ese momento en el que estás sintiendo algo que viene pero no sabés qué es y que todos lo pueden sentir. Unos lo transforman en danza, eso que puede ser un deseo sexual pero va más allá de algo puntual, del sexo, como una especie de energía primitiva. Eso para mí tiene que ver con decir “no” a lo ultradiseñado, a lo civilizado, con cambiar las jerarquías y cuestionar que lo racional está por encima de todo. Por esa idea cartesiana todavía estamos sufriendo mucho.

-¿De qué manera usás la repetición?
-Hago las cosas, no las cuento, lo hago en el momento hasta que es hora de pasar a otra. Hay muchos movimientos que repetimos hasta que pasan… hay una parte hacia el final, con movimientos y símbolos con los brazos que refieren a un culto inventado que repetimos hasta que el significado cambia. Aunque no está claro que tengan un significado, parecen tenerlo de manera específica, como el lenguaje, pero al repetirlos se transforman en una experiencia y lo que queda va más allá del significado. Los movimientos se van acelerando, ya no podemos seguirlos con la cabeza y el sistema nervioso sigue generándolos. Es un poco esotérico. También hay una referencia a los mantras y existe esa imagen o fantasía o metáfora del artista como chamán; toda la obra tiene ese tinte. Me lo propuse como una posibilidad de arte como sanación… pero a la vez me burlo de mí misma, de creer que se puede lograr eso.

-Parte de tu credo como creadora podría resumirse de la siguiente manera: contra la tiranía del intelecto y a favor de una concepción más natural del cuerpo como forma de subvertir los poderes reinantes. ¿Puede la danza librar semejante batalla?
-Claro, desde mi humilde lugar yo quiero hablar de eso pero también soy consciente de que es casi una utopía: hay algo de ella y me voy a lo absurdo porque hago la autocrítica de si realmente vale la pena. Hay una autocrítica en cuanto a creerse que realmente cambia algo en el mundo el rol de ser artista. A veces creo en eso y a veces no y me parece creído y muy egocéntrico o narcisista, entonces me voy hacia lo absurdo: si soy artista vamos a intentar decir que vamos a sanar a la gente, ¿por qué no?

-Venís del lugar que vio nacer la danza posmoderna. ¿Qué está pasando 50 años después?
-En los 90, cuando yo llegué a Nueva York, hubo una especie de estancamiento, parecía que no se generaba nada nuevo, todo el mundo estaba haciendo lo mismo. Entonces surgió en Europa un movimiento muy importante de danza conceptual. A partir de 2000, en mi generación de la danza contemporánea en Nueva York surgió una rebeldía respecto a la frivolidad de la danza, algo más profundo, más conceptual, y una intelectualidad de la danza. Y ahora hay una especie de hartazgo de eso y una necesidad de volver. Siento que esa intelectualidad, el partir de lo conceptual, ha hecho que al estar pensando tanto no estés en el cuerpo, que al fin y al cabo, te estreñiste, digamos que no podés cagar o hacer nada porque estás pensando demasiado. Por eso ahora hay una vuelta al cuerpo, para mí lo que ocurrió nuevo en Nueva York es la búsqueda de lo vivencial, la exageración de estar en el cuerpo y un reenamoramiento con lo espectacular, con el teatro. Como que todos hemos estado diciendo “no” al espectáculo porque tiene que ver con algo materialista y comercial, pero hubo una vuelta al espectáculo, a decirle sí a los trucos del teatro, sin que por eso sea superficial, comercial o capitalista.

Silvana Silveira
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UN BAILARIN ES UNA ESCULTURA VIVIENTE

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"Un bailarín es una escultura viviente"

Lunes 6 de Junio de 2011 -


De paso por Tucumán el destacado coreógrafo conversó con LA GACETA. "El tango es un sentimiento que se canta y se baila", definió. "Hay quienes hacen poesía y no conocen el alfabeto", agregó.


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Hace más de 40 años que vive en Nueva York, ya jubilado de la Julliard School, de la que ha sido maestro de ballet durante 35 años. Cuenta que se dedica a ser coach, dirigiendo a artistas profesionales y dando clases particulares. Su primer contacto con el arte que tanto ama y defiende le llegó de la mano de sus padres, a los que veía bailar y cantar folclore en su Aguilares natal. A los 20 años ya bailaba como un hobby.

Héctor Zaraspe pasó por Tucumán la semana pasada. Llegó para inaugurar un espacio dedicado al tango, por lo que la conversación necesariamente giró alrededor de la música ciudadana.

"El tango es un sentimiento que se canta y que se baila, es una pasión que tengo y me gusta mucho. Algunos de mis colegas me criticaron, pero hay una evolución en el baile, y también hay que evolucionar en el arte coreográfico", sostiene Zaraspe.

"Piazzolla revolucionó con sus obras e hizo que la música tome otro rumbo, otros vocablos", recuerda. Y ante una pregunta puntual, precisa que la danza contemporánea es muy accesible al tango, y también el ballet, por el dominio del cuerpo. "La coreografía es teatral, romántica, porque el tango es amor, pasión y traición", advirtió.

De todas formas, Zaraspe reitera que la riqueza de la danza clásica es indispensable. "Sin el ballet clásico no se puede contar con una técnica múltiple -indicó el maestro-. El ballet es la gramática de todos los lenguajes de la danza. Si sabemos utilizar bien esa gramática y la llevamos a otros lenguajes, con el respeto que se merece todo trabajo, se puede llegar a cosas maravillosas".

Durante la entrevista, Zaraspe remarcó el orgullo que le reporta becar a jóvenes estudiantes a Nueva York.

- ¿Qué es un bailarín?
- Los bailarines son esculturas vivientes que solfean con sus cuerpos, pintando en el aire la música que llena su alma. Se les llama los acróbatas de Dios. Expresan formas de forma artística, hacen esculturas con sus cuerpos.

- ¿Qué les exige a los bailarines?
- Una gran vocación como estudiantes, y disciplina. Cuando son profesionales deben tener una gran técnica, pero nosotros decimos que cuando se termina la técnica empuja la danza. Por ejemplo, si hablamos de tango, hay que amarlo y sentirlo.

-¿Son creadores los coreógrafos?
- Algunos sí, otros no. Hay quienes hacen poesía y no conocen el alfabeto.

-¿Qué opina de la difusión que ha alcanzado la coreografía a partir de programas como el de Tinelli?
- Allá en Estados Unidos existen este tipo de programas, y realmente respeto a los coreógrafos, tienen mucho rating, y arman los bailes. No tengo problemas con ellos.


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Fuente: La Gaceta

Fecha de la editorial: 07/06/2011

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DIA MUNDIAL DE LA DANZA,27,MENSAJE OFICIAL

sábado, 19 de marzo, 2011 5:17:47Ms. Laura Legazcue (Uruguay) - Mensaje oficial del Día Mundial de la Danza 29 abril 2011
De: "ExecSec@CID-portal.org" Añadir a Contactos
Para: amilcarlegazcue


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Ms. Laura Legazcue (Uruguay)

Mensaje oficial del

Día Mundial de la Danza

29 abril 2011





Para la mayor parte de la historia de la humanidad, la danza se desarrollaba al aire libre. Las personas se reunían en claros del bosque, eras, plazas de pueblos, delante de iglesias, para disfrutar bailando durante horas y horas. Hoy en día, la danza, en su mayoría, tiene lugar en salones de baile, discotecas, estadios, teatros, pasillos de la escuela, o academias.



Este año nos proponemos dar un paso hacia la naturaleza con la celebración del Día Mundial de la Danza en espacios abiertos: calles, plazas, parques, estadios, playas, estacionamientos, bosques… en cualquier lugar bajo el cielo.



La pasión por la danza es un impulso natural, los bailarines conectan con el universo y sienten verterse la naturaleza dentro de sí mismos.



Durante todo el año, damos o tomamos clases de danza, ensayamos, y actuamos entre cuatro paredes. En este día especial dedicado a la danza, vamos a marcar la diferencia mediante la práctica, la enseñanza o la actuación a la vista de todos. Puede hacer frío y llover, y ciertamente sobre un suelo no lo suficientemente bueno, con un viento que lleve la música a distancia, pero la belleza de los movimientos y el júbilo en los rostros alegrarán los corazones de ese espontáneo público que conforman los transeúntes.





Prof. Alkis Raftis

Presidente del Consejo Internacional de la Danza CID

UNESCO, París





1. El mensaje oficial del Día de la Danza se envía a mas de 150.000 profesionales de la danza en 200 países. Se traduce a docenas de idiomas. Por favor, solicite una traducción autorizada, o traduzca el mensaje al lenguaje de su país, y envíelo a organizaciones de danza y medios de comunicación.



2. Cada año desde 1982 se celebra el Día Mundial de la Danza el 29 de abril, debido al enorme atractivo despertado por el arte de la danza. Ese día se solicita a compañías y escuelas de danza, organizaciones y particulares la puesta en marcha de actividades dirigidas a una audiencia fuera de su ámbito habitual.



3. El Consejo Internacional de la Danza CID es la organización oficial para todas las formas de danza en todos los países del mundo.

El CID es reconocido por la UNESCO, los gobiernos nacionales y locales, las organizaciones internacionales y las instituciones públicas y privadas.

Entre sus miembros se encuentran las más destacadas federaciones, asociaciones, escuelas, compañias y personas en más de 150 países.

Fue fundada en 1973 en la sede de la UNESCO en París, en el que se basa.

La UNESCO es la organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura.





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Espectáculo de danza, gratuito e itinerante

Hoy a la hora 18.00 en el Complejo Habitacional Unidad Centenario y mañana a la hora 17.00 en el pueblo Santiago Vázquez / Rambla Costanera, se podrá disfrutar el espectáculo cultural "¡Felices!". El mismo pretende llegar a personas que no acceden a hechos culturales y que no asisten a espectáculos de "danza contemporánea". Este proyecto intenta colaborar con la resignificación del espacio público como lugar donde pueden convivir múltiples manifestaciones, y pretende contribuir en el desarrollo del gusto por las artes llegando a personas que no acceden a hechos culturales y que no asisten a espectáculos de "danza contemporánea". Proyecto ganador de la subvención para la creación y puesta en escena de espectáculos que otorga Montevideo Danza Contemporánea de la Intendencia de Montevideo. Protagonizan: Lucía Valeta, Lichi Sánchez, Mariana Marchesano, Nazario Osano, Daniela Barbeito, Ruth Ferrari, Antonio Soubiron y Adriana Belbussi. Dirección: Adriana Belbussi Figueroa. Asistente: Ruth Ferrari. Asesoramiento sonoro: Gonzalo Gravina. Gráfica: Enliven Project. Video: Mateo Etchegoyhen. Gestión y producción: Adriana Belbussi Figueroa. El sábado 19 a las 17.00 se presentará en Plaza Virgilio, Punta Gorda; el domingo 20 a la misma hora en el Rosedal del Prado, el sábado 26 en el Parque Rodó (Sosa y Rambla Wilson) y el domingo 27 en el Parque de las Esculturas (Luis Alberto de Herrera y Varela).





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--- El dom 17-oct-10, publicacionesdeciad 22@gmail. com escribió:

De: publicacionesdeciad 22@gmail. com
Asunto: La Embajada Mexicana en el Forum Mundial
Para: uruguayperfiles@ yahoo.com. ar
Fecha: domingo, 17 de octubre de 2010, 10:30

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En la Embajada de México se realizó el lanzamiento del libro “Patricia Aulestia 40 años en la Danzaâ€�, de Cesar Delgado, en el imponente marco del Forum Mundial de Danza CIAD en Buenos Aíres. Nuestr...

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